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Gebrochene Farbe ist grauwertige Farbe, eine solche Farbe entsteht durch Beimengung der Kontrastfarbe (der im Farbenkreis gegenüberliegenden) zu einer reinen Farbe.

Der Begriff 'Genius' (lateinisch = 'Erzeuger') bezeichnet im Glauben der alten Römer die Personifikation der dem Manne innewohnenden und mit ihm sterbenden zeugenden Kraft. Dieses 'innere Wirkungsprinzip' wurde als Geiserwesen, als Schutzgeist verehrt. Man brachte seinem speziellen Genius Opfergaben dar. Der Genius repräsentierte die Persönlichkeit des Mannes und gab ihm die Fähigkeit zur Zeugung von Nachkommen. Ihm entsprach, als weibliches Gegenstück, die von den Frauen verehrte Göttin Juno, als Inbegriff der Gebärkraft. Der spezielle Ausdruck 'genius loci' meint den Schutzgeist eines bestimmten Ortes und verkörpert die an einen Ort gebundenen positiven Kräfte. Dargestellt wurden Genien in der Antike zunächst als Schlangen oder bärtige Männer mit Füllhorn und Zepter. Später dominierte die Gestaltung als geflügelte Lichtwesen, die z.B. Porträtmedaillons und Inschriftentafeln trugen und präsentierten (z.B. auf Konsulardiptychen). Auf spätmittelalterlichen Objekten sind Genien vor allem auf Schatullen aus der 'Embriachi-Werkstatt' einer in Florenz und Venedig etablierten Elfenbeinschnitzer-Werkstatt des 15. Jahrhunderts, zu finden.

Der Begriff Genius wird oft auch synonym mit der Bezeichnung Genie verwendet.

'Glasfenstermalerei' bzw. 'Glasmalerei' bezeichnet gemeinhin die Herstellung farbiger Fenster mit bildlichen Darstellungen. Das durchscheinende (Tages-)Licht erzeugt eine Farbenpracht, welche im eine oft als mystisch bis feierlich empfundene Stimmung evozierte, so dass deshalb die Glasmalerei im sakralen Bereich - Im Mittelalter diente die Glasmalerei nicht nur als Zierde, sondern auch zur Verbreitung religiöser Informationen, z.B. über Heilige und ihre Legenden - sehr populär wurde. So steht die Glasmalerei häufig im Dienste der Architektur, ihre Blütezeit: die Gotik, als Teil des Gesamtkonzepts.

Figürliche Bilder und Ornamente wurden aus farbigen Glasstücken mosaikartig zusammengefügt und in Bleiruten gefasst. Grundlage war der 'Scheibenriss', ein als 'Karton' ausgeführter farbiger Entwurf. Nach der Schmelze, in der das Glas als Glasmasse gefärbt wurde, wurde es nach dieser Vorlage zugerichtet. Abgesprengt mittels heißem Draht geschah dann die exakte Formung der Glasstücke mit dem 'Krösteisen', bzw. (seit Mitte des 16. Jahrhunderts) mittels diamantenen Schneidern. Auch eine zusätzliche Bemalung mit 'Schwarzlot' oder anderen Lotfarben war üblich. Bei 600° C wurden diese eingebrannt, danach erfolgte die Einfassung in Bleiruten.
Glasfenster, die zum Teil eine enorme Höhe und starkem Wind ausgesetzt waren, wurden abegsichert; hierzu dienten 'Sturmstangen' und 'Windeisen'.

>> die ersten Glasfenster:  wohl um 580 im Auftrag des Bischofs Gregor von Tours
>> die ältesten erhaltenen Reste von als Glasmalerei gefertigter Fenster: romanisch (11. Jahrhundert), Augsburger Dom
>> Mitte des 12. Jahrhunderts:  Fenster im Chor von St. Denis (Paris), Fenster der Westseite der * Kathedrale von Chartres

Nach dem Niedergang der Glasmalerei während des Barock, erlangte sie im 19. Jahrhundert, bis zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine erneute Popularität und 'Blütezeit'. In der Neuzeit modifizierte sich die Technik der Glasmalerei. Das Einfärben der Glasmasse, das mosaikartige Zusammenpuzzlen der verschiedenen Glasstückchen und ihr Verbinden durch Bleiruten wurde durch das Malen und Einbrennen der Darstellung mit 'transluzider' Schmelzfarbe auf der  Rückseite des Glases ersetzt.

Der 'Goldene Schnitt' (lateinisch 'sectio aurea', französisch 'section d'or') meint die Teilung einer Strecke in zwei ungleiche Abschnitte; dies funktioniert in der Weise, dass das Verhältnis des größeren zum kleineren Abschnitt dem der ganzen Strecke zum größeren Abschnitt entspricht. Der Goldene Schnitt ist also ein bestimmtes Verhältnis zweier Längen von Strecke, welches in der Kunst und Architektur sehr häufig als ideale Proportion sowie als Inbegriff von Ästhetik und Harmonie gilt. Inwieweit die dieses Verfahren in der Kunst zu besonders ästhetischen Resultaten führt, ist im Endeffekt eine Frage der jeweils herrschenden Kunstauffassung. Viele Künstler benutzten ihn zielgerichtet - bei vielen Werken wurden aber auch Kunsthistoriker erst im Nachhinein fündig.

In der Renaissancekunst wurde das schon in der antike bekannte Wissen um den Goldenen Schnitt reaktiviert, er wurde, als das ideale Zahlenverhältnis und Ausdruck von Harmonie, insbesondere von Architekten, Typographen, Malern, Bildhauern und Musikern propagiert und von dem italienischen Mathematiker Leonardo Fibonacci (um 1180-1240) fundiert nachgewiesen. Da sich künstlerische Gegebenheiten nur schwerlich in strenge mathematische Konzeptionen pressen lassen, erlangte er allerdings beim Kompositionsaufbau von Bildern nie völlige reale Bedeutung - Künstler wie Raffael und Tizian studierten zwar eingehend die Regeln des Goldenen Schnitts, doch fiel bei ihnen immer die Entscheidung zugunsten der Kunst vor der theoretischen Idealproportion, was sie Abweichungen hinnehmen ließ. Genauer an die mathematischen Proportionsvorgaben hielten sich viele Künstler des Kubismus

Weitere gängige Bezeichnungen für den goldenen Schnitt sind 'stetige Teilung' und 'göttliche Teilung' (lat. 'proportio divina').

> (zugeschriebene) Beispiele für die Verwendung des Goldenen Schnitts:
>> zahlreichen Skulpturen griechischer Bildhauer, z.B. der 'Apollo von Belvedere' des Leochares (um 325 v. Chr.), Werke von Phidias (5. Jhd. v. Chr.)
>> Gemälde der Renaissance, z.B. bei Raffael, Leonardo da Vinci, Albrecht Dürer (Beispiel: Dürers Selbstbildnis, 1500 / der Kupferstich Melancolia I, 1514)
>> Künstler der Neuzeit (Goldener Schnitt bewusst eingesetzt): Mondrian, Paul Signac, Georges Seurat, Hergé, die Künstler der Section d'Or
>>  Fotografie: Henri Cartier-Bresson

Der 'Goldgrund', ein 'Hintergrund' aus Blattgold, wurde, unter Einfluss byzantinischer Kunst, seit dem 4. Jh. n. Chr. verwendet. Er fand Verwendung meist für Herrscherdarstellungen und sakrale Szenen in Malerei, Reliefschnitzerei und Buchmalerei. Gold, als Sonnensymbol, schien den wiedergegebenen bedeutenden Personen 'angemessener' als übliche Fonds. Ein weiterer Aspekt ist die Klarheit der hinterfangenden Figur in der Darstellung; die Gegenstände heben sich vorteilhaft vor dem warmen Goldgrund ab, ohne dass das Auge des Betrachters durch einen zu unruhigen Hintergrund irritiert oder abgelenkt würde. Populär in ganz Europa seit dem Mittelalter, wurde der Goldgrund sowohl bei sakralen, als auch bei profanen Werken eingesetzt. Es geschah auch, dass der Grund durch rote oder blaue Ornamente gemustert oder gelüstert (d.h. lasiert) wurde. Üblich war dieses Überziehen des Goldfonds mit farbigen Lacken bei der Verwendung von Blattsilber (bzw. Zwischengold) statt Blattgold. In der westlichen Kunst setzte sich gegen Ende des 15. Jahrhundert der naturalistisch gestaltete Hintergrund vollständig durch; bei der Ikonenmalerei wurde er beibehalten.